No século XX as vanguardas européias propunham diferentes formas de pensar e produzir arte inspirados na velocidade e no dinamismo da produção industrial, e sobre influência de grandes transformações sociais que vinham ocorrendo desde o século anterior, como as unificações políticas nacionais, as disputas por mercados internacionais (coloniais), o socialismo e a consolidação do Estado liberal burguês.

De 1909 a 1924 o mundo viu surgir uma série de manifestos e movimentos que inovaram e revolucionaram a arte. Uma revolução que acompanhou a primeira grande crise política decorrente da nova ordem do capitalismo industrial, e que rompe de vez com a estética do século XIX.

Um destes movimentos foi o Futurismo, que surge em meio a uma convulsão política na Itália: o conflito austro-italiano. Encabeçado por Filippo Tommaso Marinetti, egípcio de ascendência italiana e de educação francesa, o Futurismo pretendia reformular as artes, rejeitando seu conceito de tradição histórica.

O primeiro manifesto futurista foi publicado no jornal parisiense Le Fígaro, no dia 20 de fevereiro de 1909. Ultrapassando as fronteiras italianas, num ímpeto de que o movimento fosse mundial e não apenas provincial, logo o Futurismo ganhou outros países e abrangeu diversos campos artísticos: teatro, performance, pintura, música etc. Ainda em 1909, Marinetti estreia no Théâtre de lÓeuvre a peça Roi Bombance, claramente inspirada no Ubu Roi e na patafísica de Alfred Jarry (1873-1907). Vale ressaltar que Jarry foi um artista anárquico, que atacava as convenções sociais de modo satírico e grotesco.

O Futurismo voltava-se contra o culto da tradição e da comercialização da arte, e louvava o militarismo patriótico e a guerra, além de expressar um forte sentimento misógino.

Em um de seus manifestos subseqüentes lia-se “velocidade e amor ao perigo”, e a instrução aos pintores de “ir às ruas, incitar a violência a partir dos teatros e introduzir o pugilato na batalha artística...” (RoseLee, 2006). Violência, combate belicoso, dinamismo, sons de artilharia e metralhadora foram os epígrafes desta forma de arte.

Marinetti chegou a ser preso junto com Benito Mussolini em 1915, por fazerem discursos intervencionistas pedindo a entrada da Itália na primeira grande guerra.

O longa-metragem Vincere (2009), produção franco-italiana dirigida por Marco Bellocchio, usa como título e tema uma canção famosa fascista chama Vincere (Vencer). É notável que em algumas sequências  o diretor utiliza a estética futurista para retratar o espírito desse tempo. Há trechos documentais, imagens de época, onde aparecem em destaque os cartazes futuristas, principalmente aqueles que serviram para propagar os ideais fascistas.

O filme trata da relação entre Benito Mussolini (Filippo Timi) e Ida Dalser (Giovanna Mezzogiorno), que depois de casada com Mussolini dá luz a um filho, Benito Albino, que foi reconhecido, e em seguida renegado pelo pai.

Eles se conhecem em Milão, quando Mussolini é ainda um enérgico jovem socialista, revelando-se um líder radical que pretende orientar o povo italiano contra a Igreja e a monarquia. Apaixonada, Ida vende tudo o que tem para financiar o Il Popolo d`Italia,  jornal que se tornaria  núcleo do futuro Partido Fascista.  

Após alistar-se no exército e partir para a Primeira Guerra Mundial, Mussolini desaparece. Ida o reencontra tempos mais tarde casado com outra mulher. Indignada, ela exige seus direitos de esposa legítima e mãe de seu filho primogênito. Perseguida pela polícia do regime fascista no intuito de destruir qualquer vestígio de seu relacionamento com o ditador, Ida acaba sendo levada à força para um manicômio onde fica trancada por mais de 11 anos, sendo torturada, humilhada e impedida de ver seu filho.

Outro movimento importante da vanguarda artística moderna foi o Dadaímos, que surge em Zurique, também em meio a Primeira Guerra Mundial, mas logo ganha alcance internacional. Os dadaístas procuravam desmistificar uma sociedade que em prol da ciência e do progresso espalhavam a destruição e a carnificina.

Revoltados com a guerra “acreditavam que a única esperança para a sociedade era destruir aqueles sistemas baseados na razão e na lógica, substituindo-os por valores ancorados na anarquia, no primitivo e no irracional” (Dempsey, 2003).

O documentário “Arquitetura da destruição” (1989), produzido e dirigido pelo cineasta sueco Peter Cohen, mostra a perseguição sofrida por artistas, e a chacina monstruosa promovida pelos nazistas com o objetivo principal de “embelezar” o mundo.

Hitler era um pintor fracassado, artista frustrado, amante do classicismo e da obra de Wagner. Em 19 de julho de 1937 promove na cidade de Munique, na Alemanha, uma exposição que marca o ápice da campanha pública do regime nazista contra a arte moderna: a mostra internacional “Entartete Kunst”, a “Arte Degenerada”.

Dentre as obras expostas (confiscadas, e algumas destruídas) estão aquelas do movimento dada, assim como obras cubistas, expressionistas, surrealistas e de todos os movimentos modernos que se contrapunham ao ideal artístico nazista que visava recuperar as formas clássicas, e enaltecer o corpo e a condição física da raça ariana, sua “pureza e beleza”. Esses ideais funcionaram como peça chave da construção de um imaginário que buscava a recuperação da raça alemã, que supostamente encontrava-se degenerada pela contaminação de elementos inferiores e nocivos.

A razão torpe desse tempo de convulsões sociais foi mote para muitos artistas. Dentre eles o pintor e fotógrafo americano, Man Ray que junto a Marcel Duchamp fundou o movimento dada nova-iorquino, e posteriormente como cineasta lançou diversos filmes surrealistas.

O primeiro foi “Le Retour à La Raison” (1923), filmado em um só dia. O título é paradoxal, pois logo o filme revela-se inteiramente sem razão. A recepção não foi positiva causando uma reação violenta por parte do público que interrompeu a projeção após um minuto.

No primeiro manifesto surrealista lançado por André Breton em 1924, o movimento é exposto como “o pensamento que é expresso na ausência de qualquer controle exercido pela razão, e alheio a todas as considerações morais e estéticas” (Dempsey, 2003). Ao estarrecimento diante da promessa não cumprida pela modernidade, e o desgosto do homem em face de seu destino, resta o elogio a loucura como forma libertadora da imaginação, “o surrealismo libertaria o inconsciente, reconciliando com o consciente, e também livraria a humanidade dos grilhões da lógica e da razão, que até então haviam reduzido unicamente à guerra e à dominação” (Dempsey, 2003).

Neste sentido, o filme de Man Ray é totalmente despreocupado com a narrativa e a linearidade. Todo em preto e branco, a cena inicial é uma sequência de imagens granuladas, com pregos soltos e outros objetos metálicos colocados diretamente sobre a película; uma cone de papel, um relógio, um carrossel, e engrenagens de máquinas. Em meio a essas imagens uma palavra: “DANCER”; e o giro do torso nu de uma mulher.

Os significados e interpretações para estas sequências são múltiplos, cumprindo o propósito de atiçar os sentidos, numa atmosfera fantástica, e nos levando a pensar que a razão do homem é algo ininteligível.

Bibliografia:

Goldberg, RoseLee. A arte da performance: do futurismo ao presente. São Paulo: Martins Fontes, 2006.

Dempsey, Amy. Estilos, escolas e movimentos. São Paulo - Cosac Naify, 2003.